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17 enero 2014

Reviews de Camp X-Ray desde Sundance Film Festival.

Yendo a Sundance, el próximo drama de Kristen Stewart en la Bahía de Guantánamo llamado "Camp X-Ray" era una película en la lista de casi todo el mundo. El screening lo hizo increiblemente bien en Sundance, con muchos espectadores ofreciendo una ovación de pie cuando la película terminó.

No es la primera vez de Stewart en Sundance, en 2010 ella asistió a la premiere de "The Runaways", pero su película "Camp X-Ray" parece que será una de las mejores actuaciones de la estrella. El screening fue proyectado esta tarde (Viernes) en el adorable Teatro Eccles en Park City, Utah.

Este proyecto es del director primerizo Peter Sattler y es una pieza conmovedora e inteligente sobre un tema muy controvertido. La historia es una guardia de prisión, Amy (interpretada por Stewart), estacionada en la Bahía de Guantánamo. Es en este lugar donde conoce a un recluso que está retenido allí, (otra sobresaliente actuación interpretada por Payman Maadi). La película por supuesto no fue grabada en ningún sitio cercano a la localización real, pero el diseño del set fue sorprendentemente bien hecho.

Stewart, en el pasado, ha sido criticada por su, de alguna manera, fría manera de abordar sus actuaciones, pero aquí es perfecto para su personaje. Añade otra capa de burbujeante conflicto interno al soldado, que más a menudo que no es más uan estatua de lo que una persona normal lo sería. Es refrescante ver a Stewart en un papel que encaja en su actuación un poquito mejor, y ella debería estar muy sobrepasada por ver el lanzamiento de la película.


Puede ser que tengas una fuerte opinión sobre las habilidades actorales de Kristen Stewart. Las películas de Twilight te pusieron a favor o en contra. Bueno, tira esa percepción por la ventana. En su nueva película, Camp X-Ray, Stewart interpreta a una guardia de la Bahía de Guantánamo que se hace amiga de un recluso. Has leido bien. Mientras la película toma una posición deliberadamente apolítica y con una aproximación clínica al retrato de lo enferma que es la vida en Gitmo, la marca natural de Stewart de ser introvertida y morderse el labio añade un calor necesario a la película. Como su personaje, que se retira de su vida en Florida a lo que sea que la armada le vaya a proveer, Camp X-Ray es Stewart mudando la piel y permitiéndose a sí misma ser explotada por talento. El director Peter Sattler encuentra a una persona real en Stewart, envolviéndola en una realidad que está más adaptada a su personalidad que los mundos de fantasía de Blancanieves. Ella lleva su camuflaje con la intensidad de una roca fría, rompiéndose lentamente cuando se abre a un detenido (interpretado por Peyman Moaadi de 'A Separation'). La película no profundiza mucho bajo la superficie, pero Stewart es un peón visible en la mecánica de la cárcel. Si la has descartado, date cuenta de que la has infravalorado todo este tiempo.

La estrella de "Twilight" había estado previamente en la competición del Festival con "The Runaways".

El retorno de Kristen Stewart a Sundance con "Camp X-Ray" se veía como un éxito - al menos inicialmente - cuando los festivaleros empezaron a twittear cosas positivas sobre ella en su turno como protagonista del drama de la Bahía de Guantánamo que se estrenó a mediodia el Viernes para obtener una ovación parcial de pie en el Teatro cavernoso de Eccles en Park City.

"Creo que Kristen Stewart florece en materiales realistas. Ella es reconocible, humana en Camp X-Ray. La película lo pedía", twitteó el reportero de cine freelance y crítico Matt Patches.

La película, escrita por el director primerizo Peter Sattler, sigue a Amy (Stewart), una soldada que es asignada a la tarea de ser guardia de prisión en la Bahía de Guantánamo, donde se hace amiga de un recluso (interpretado por la estrella de "A Separation" Payman Maadi). Sattler ha dicho que Stewart tenía mucho que añadirle al personaje y al guión,que fue rodado en una prisión juvenil a las afueras de Los Angeles.

"Camp X-Ray" está en la competición de USA en Park City, a donde Stewart voló desde Los Angeles el jueves para asistir a la Premiere. Pero K-Stew no es una novata de Sundance: Ella vino a Park City en 2010 para la Premiere de "The Runaways", donde ella interpretaba a la rockera Joan Jett, y ha asistido otros años sin una película en competición.

La primera y fascinante película del guionista y director Peter Sattler, Camp X-Ray, deja a un lado la controversia que rodea la Bahía de Guantánamo para centrarse, sin embargo, en el drama personal de las conexiones humanas y la compasión, hábilmente extraido del dia a dia mundano de la vida en una celda. En esencia a dos manos, equilibra una poderosa interna actuación de Kristen Stewart, dejando quizas su mejor trabajo en pantalla hasta la fecha como una guardia militar inexperta, contra una igualmente convincente caracterización de Payman Maadu como el detenido a largo plazo que rompe su caparazón. La complejidad psicológica y la rica recompensa emocional deberían asegurar este proyecto expertamente si se aproxima la película a un público considerable.

Sattler señala su confianza en la historia desde fuera con la enseñada secuencia pre-título. Un noticiario de televisión en lenguaje árabe muestra la familiar imagen de una nube de humo desde las Torres Gemelas, mientras un hombre del meido este se prepara para dejar su disgno apartamento. Mientras se para para rezar, agentes de la policía irrumpen en la habitación, poniendo un saco sobre su cabeza y sacándole en un viaje que - en rápidos cortos de escenas con imágenes claras - le transportan a él y a otros por aire, mar y carretera a una prisión de acero forjado donde son puestos en jaulas individuales. Cuando les quitan el saco, vemos el rostro golpeado y ensangrentado del hombre que llegaremos a conocer como Ali (Maadi), o el detenido 471.

Saltando al futuro 8 años, la recién reclutada Cole (Stewart) llega, y con otros nuevos guardias, le dan el entrenamiento con la orientación estándar. Eso inluye rotación de patrullas cada 12 horas y ver suicidios cada 3 minutos a través de ventanas en cada puerta de celda de un sólo ocupante. "Te probarán, sacarán lo mejor de ti", dice Ransdell, el hombre duro y cabron de la division que será el superior directo de Cole. Aconseja a los nuevos no compartir nombres o información: "No dejeis que entren en vuestra cabeza".

Ansiosa por probar su valía en compañía mayoritariamente masculina, Cole se presenta voluntaria el primer día para ser parte de un Equipo de Reacción de Fuerza Inicial de 4 miembros para subyugar a un detenido jihadista violento. Su "Bienvenida a Gitmo" involucra ser golpeada y escupida en la cara. En estas escenas de apoyo establecedoras, Sattler y el editor Geraud Brisson disponen la fundación de una atmósfera de tensión, ayudada por los movimientos medidos y la manera de mantener la mirada con la cámara digital de James Laxton y con la música con carácter de fondo de JessStroup.

El tono empieza a cambiar, sin embargo, durante una excelente escena revigorizada por un humor inesperado, en donde Cole lleva el carrito de los libros a través del pasillo de las celdas y tiene su primera interacción con Ali. Devolviendo un volumen gordo de poemas de Emily Dickinson, él husmea en el otro material de lectura en oferta antes de empezar a despotricar sobre los guardias escondiendo el 7º libro de Harry Potter para volverle loco. En este y los subsiguientes intercambios, el pincha a Cole - a veces sólo jugando con ella, a veces poniéndose agresivo o completamente desagradable - mientras ella se esfuerza por mantenerse impasible.

Intentando adaptarse a la manera de pensar militar, Cole participa en explosiones de cervezas y viajes de pesca. Intenta tragarse sus dudas morales cuando siente que Ali está siendo castigado inhumanamente por una transgresión en la que ella fue afectada. Pero cuando Ransdell le pega a ella y ella tiene segundos pensamientos sobre consentirlo, su aceptación en la compañia se ve amenazada. Observándola hablar con Ali en el campo de ejercicio, el corpulento hombre usa su poder para humillar tanto a la guardia como al detenido.

La decisión de Cole de reportar a Ransdell por violación de la conducta fracasa en otra escena intensamente interpretada. Ella es entrevistada por la oficial de mando (John Carrol Lynch), que deja claros sus sentimientos sobre reportar contra un compañero oficial y también tiene su propio resentimeinto al haber sido asignado a Gitmo.

En una fracción de menos de dos horas, la película pudo haberse beneficiado de la escasa rigidez, particularmente de algunas partes en medio disminuidas. Pero la continua evolución de la amistad cauta de Cole con Ali es observada con integridad emocional y patetismo, describiendo a dos personas inteligentes en contraste con estados de confinamiento, cada uno de ellos buscando contacto. Los aspectos dramáticos son elevados en una escena con un alto clima de suspense durante la cual tanto Cole como Ali revelan más sobre ellos mismos en unos pocos minutos de lo que lo han hecho a lo largo de toda la película.

"Tu y yo estamos en guerra", le dice Ali a ella en un momento. Pero mientras la inocencia del detenido como sospechoso terrorista se deduce claramente, una de las fuerzas del guión de Sattler es su negativa a hacer de este un simple drama sobre enemigos, injusticias o persecución inhumana. Lo hace con empatía, y haciéndolo aplia la íntima historia para encontrar universalidad temática.

La comprensión del personaje de Sattler es excepcional, como lo es su guía de los actores, sugiriendo distintas personalidades para los compañeros guardias masculinos de Cole con sólo una línea o dos. Pero el pulso de esta pieza de cámara mejorada, mucho de lo cual obviamente tiene lugar en esos claustrofóbicos interiores, es el poco probable vínculo entre Cole y Ali.

Mejor conocido por su buen trabajo como el sitiado marido en la Ganadora a un Oscar de Lengua Extranjera Iraní A Separation, Maadi hace de Ali un homre orgulloso, enfadado, tan contrario a la hostilidad de sus compañeros reclusos como si fuera un militar de USA. Su agriedad cuando desnuad a Cole de sus engaños sobre sí misma y lo que ha aprendido es formidable. Pero también lo es su desgranada facilidad cuando pondera su futuro.

Incluso desde que la repercusión de Twilight empezó, la gente ha cuestionado si Stewart es simplemente una huraña reina de la pantalla o una actriz real. Ella pone ese argumento a descansar aquí, interpretando a un personaje duro, taciturno dirigido por una urgencia inarticulada "a hacer algo importante", pero despertada abruptamente por una realidad impredecible. Es una actuación fieramente contenida, aportando crudas visiones personales incluso cuando Cole externamente permanece apretada en la incomodidad. No hay un momento de Stewart en la pantalla aquí donde no sea completamente paralizante.


Traducción LaSagaRobsten

02 mayo 2013

¡Esta película llega a cerrar las bocas que menosprecian a Robert Pattinson! Nueva Critica a Cosmópolis

Cosmopolis
Esta película llega a cerrar las bocas que menosprecian a Robert Pattinson y lo coloca en un mundo futurista (pero retratado como si fuera en los sectores menos favorecidos de Manhattan) de glamour y decadencia para interpretar al joven millonario Erick Packer. Pasando la mayor parte del tiempo conversando con colaboradores, amantes y empleados, dentro de su fastuosa limousine –en la que tiene monitores ultramodernos que le informan al segundo de los movimientos de las bolsas de valores– vemos un día en la vida de Packer en el que sus negocios van en picada mientras alrededor del mundo van creciendo cada vez más las protestas por la desigualdad económica.
El mayor reto para el espectador y, a la vez, el mayor atributo de esta película, son los diálogos saturados de reflexiones filosóficas y psicológicas, que provienen directamente de la novela de DonDelillo en la que se basa la cinta. Pero la maestría para crear la atmósfera e ilustrar las reflexiones muestran la gran capacidad del director para analizar nuestro mundo a través de uno creado por él. La densidad de este filme explica las opiniones encontradas de la crítica pero, si aceptamos recibir una lluvia de ideas, nos quedaremos con más de una memorable.

08 abril 2013

Examiner: 9 de las actuaciones más aclamadas de Kristen Stewart por la crítica

Mañana, 9 de abril, es el cumpleaños nº 23 de Kristen Stewart!
Para celebrarlo, he aquí una mirada en retrospectiva a los nueve papeles cinematográficos más aclamados por la crítica de alumbre "Twilight" ha tenido hasta la fecha y lo que el mundo del cine tenía que decir acerca de cada uno. Prepárense para un montón de elogios.
Fue difícil reducir la lista a sólo nueve, ya que Stewart ha estado ahora en veinticinco (y contando), más películas en el transcurso de su trece años de carrera - sin contar su pequeño papel en "Los Picapiedra en Viva Rock Vegas ", que lo convierte en una cuestión Jeopardy excelente - y muchos de ellos han sido bien recibidos.
Nota: Kristen Stewart se espera que comience a trabajar en su primera película después de mucho tiempo - la película de comedia llamada "Focus" - este mes, y después ella protagonizará a una musa de un zapatero en la "erótica" comedia "The Big Shoe ".
On the Road
Para "On the Road", Stewart retrato a Marylou, un derivado literario de la amiga de la vida real del autor Jack Kerouac, Lu Anne Henderson.
The Hollywood Reporter: "Stewart, seleccionada por Marylou hace cinco años sobre la base de su impresionante debut en 'Into the Wild', es perfecta para el papel, se quita la ropa más de una vez y casi siempre parece se rompe al sudar, lo cual comienza el alto cociente de sensualidad "
Panic Room
En 2002 la imagen de arranque de "Panic Room", Kristen Stewart interpreta a la hija asmática de Jodie Foster que lucha por respirar mientras se esconden fuera de los ladrones asesinos en su casa.
Entertainment Weekly: "La revelación Stewart, curiosamente franca y poco niña, hace una buena interpretación de un hija para tal madre¨
Rolling Stone: "Foster and Stewart - en un matizado, sin rodeos - forjan un vínculo que nunca se siente un cornball".
Into The Wild
En "Into the Wild", Kristen Stewart retrato a Tracy Tatro, una sincera joven hermosa que toca la guitarra viviendo en el oeste nómada.
Keep It Carrete Comentarios: ". Las actuaciones son de primera clase, especialmente de Kristen Stewart, quien interpreta a una música joven hippie y aplasta a Chris"
MovieMet: ". Kristen Stewart es una mujer encantadora joven que se divierte como la esperanza, pero joven, enamorada de Alex"
Adventureland
Kristen Stewart interpreta a la confusa Em Lewin en la historia de un veranode trabajo que es "Adventureland".
Roger Ebert: "Lo que me sorprendió fue lo mucho que admiraba a Kristen Stewart, quien en 'Crepúsculo', estaba jugando por debajo de su nivel de grado. Esta es una actriz dispuesta a hacer cosas importantes.".
The New Yorker: "Ryan Reynolds ... es eclipsado por Kristen Stewart y Jesse Eisenberg, quienes ambos hacen nada más que verdaderos apuntes."
IGN: "Em está destinada a ser algo así como la chica soñada - atractiva, fácil identificarse y asequible a la vez, y Stewart hace parecer muy creíble su atracción agradable, normal por el chico James en contraste con su romance con Connell. Estoy adivinando Stewart tendrá algunos espectadores masculinos que se enamoraran de ella después de esta película, ya que un montón de chicos que no serían atrapados muertos en 'Crepúsculo' podrían ver este film y compartir el enamoramiento de James por la música, por la pipa de marihuana de Em . "
Speak
Kristen Stewart interpreta a una estudiante de primer año de secundaria sexualmente traumatizados que opta por no hablar, de la adaptación del 2004 de la célebre obra Laurie Halse Anderson.
EFilmCritic: "Como Melinda, Kristen Stewart no sólo brilla, ella se quema en un papel donde la mayor parte de lo que dice no viene en la forma de las palabras, la estrella adolescente de" Panic Room "y" Cold Creek Manor ". muestra que ella es mucho más que un simple 'actriz adolescente, entregando un rendimiento impecable. "
The Cake Eaters
Kristen Stewart interpreta a Georgia, una niña que sufre de ataxia de Friedreich enfermedad muscular, sino que quiere experimentar un cierto grado de normalidad con lo que la vida que le queda.
Acerca de: "Tal vez esto suena terriblemente sentimental, el rendimiento de Stewart no es nada .... El papel de Georgia hace un montón de la joven actriz, y Stewart lo hace todo: tiembla mientras camina, insultos cada línea de diálogo, y maneja todavía ser totalmente creíble como una seductora de quince años de edad. "
Film Journal: "Los conductores, [Aarón] Stanford (serie de los" X-Men ") y Stewart ('Crepúsculo'), son las representaciones más conmovedoras del amor joven con problemas."
Welcome to the Riley
En "Welcome to the Rileys", Kristen Stewart interpreta a Allison-Mallory, una joven stripper que recuerda a un padre afligido la hija que ha perdido.
Roger Ebert: ". Stewart aquí está lejos de la perfección de porcelana de las películas de 'Twilight', y es un alivio ver que es, después de todo, físicamente posible que un adolescente tenga problemas de cutis en una película"
View London: "Stewart es adecuadamente puntiagudo como Mallory, entregando una actuación que debe silenciar a algunos de sus" Crepúsculo "críticos".
Roger's Movie Nation:. "Gestos normales de Stewart - en una película tras otra, no puede dejar de jugar con su pelo - se ajustan perfectamente a esta mujer perdida, joven desagradecida e independiente, desafiante Ella esta arruinada, ensuciada de todo, moretones, ojos soñolientos y s labios agrietado . Las escenas de Stewart y [James] Gandolfini tienen una ventaja, pero sus escenas con [Melissa] Leo tiene un calor húmedo de ojos que le dan a la película su corazón. "
The Runaways
Kristen Stewart como una muy joven rockera Joan Jett en "The Runaways".
The Telegraph: "Stewart es incluso mejor que la furia latente de Jett, quien no es de un millón de millas de distancia con el carácter de su personaje de Crepúsculo, Bella."
Total Film: "Y en su mayor parte funciona gracias a recreaciones minuciosas de nebulosas bares de buceo era del disco, se desvanecióen pistas del rodillo y moteles de mala muerte, además de un rendimiento ballsy por Kristen Stewart. Encorvado sobre su hacha hambrienta y sucia-sexy y gruñendo sus líneas, ella no va a complacer a los Twi-hards, pero es una bienvenida de conexión para que nadie sospeche sobre el efecto de su talento, que se esconden entre los vampiros. "
Fierce People
No deje que la imagen los engañe. El papel de Kristen Stewart en "Fierce People" fue sin duda, bueno, feroz. Echa un vistazo a este video, , por ejemplo.
IGN: "Kristen Stewart se expande de manera similar a un personaje que, a pesar de la posibilidad de cliché, con el tiempo se convierte en una socia atractiva y complejo por igual".
Reel Views: "Kristen Stewart, quien dejó una impresión en 'In the Land of Women", muestra por qué fue elegida para esa parte. "
* Lea el articulo completo AQUI
Traducción Solamente Robsten

28 marzo 2013

Critica de The Host: Otra gran obra de Stephenie Meyer llevada a la gran pantalla!

Las personas que nos hemos leído el libro hemos estado esperando mucho tiempo esta película y, en mi opinión, respeta muy bien al libro teniendo en cuenta que es una obra bastante extensa (más de 750 páginas) y debido a esto han tenido que eliminar bastantes escenas para adaptarlas a las 2 horas de pelicula.

Uno de mis grandes interrogantes era que cómo iban a plasmar los pensamientos de Melanie en el filme y me he llevado una grata sorpresa. La utilización de la voz en off es un recurso muy bien empleado por Andrew Niccol y refleja totalmente la supervivencia de la personalidad de Melanie ante la usurpación de su cuerpo por parte de Wanda. Además, dichos pensamientos en los diálogos de amor a cuatro bandas resultan involuntariamente divertidísimos.

La película intenta avanzar por el camino de la ciencia ficción pero le frenan sus pretensiones románticas y trascendentales. Por una parte está claramente enfocada al público adolescente, a través de ese casi esquizofrénico y descabellado cuadrilátero amoroso que se sitúa como centro de la narración, pero también aspira a convertirse en un film más adulto.

En resumen, una película muy diferente a Crepúsculo con unos graciosos momentos de humor, más acción y ese toque romántico propio de Meyer y que no debe faltar. Recomendaría esta película una y mil veces, para mi fue increíblemente buena.

Fuente: León (Edward) + Oveja (Bella) = Monstruo del Lago Ness (Nessie)

14 marzo 2013

Reacciones de la prensa ante el primer still de The Rover



WeGotThisCovered
En primer lugar, es la continuación del director David Michod a la extremadamente exitosa y muy bien hecha Animal Kingdom, una película por la que estuve real, realmente impresionado. En segundo lugar, está protagonizada por dos actores que son pasados por alto a menudo: Robert Pattinson y Guy Pearce... El trio de Michod, Pattinson y Pearce es extremadamente prometedor y ese primer vistazo en la foto de arriba parece genial, no puedo esperar a ver a los dos actores cara a cara el uno contra el otro.

ThePlaylist
Tenemos que admitir, que de alguna manera habíamos olvidado que esta [película] iba a suceder, pero tenemos que decirlo, estamos contentos de que vaya a hacerlo... Sin comentarios aún sobre la fecha de estreno, pero nosotros apostamos por 2014. De cualquier manera, la esperaremos.

RopeOfSilicon
Pearce apunta con su pistola a Pattinson en la Nueva foto..." dándote un vistazo de cómo de sucia esta foto se va a poner".

Flix66
Obviamente Robert Pattinson ha hecho enfadar a un muy sucio y despeinado Guy Pearce en esta foto, así que será interesante ver cómo todo esto se desarrolla cuando la película llegue a los cines.

CinemaBlend
El papel que sigue al papel de rompecorazones [de Pattinson] es algo profundamente indie, y trastornado y hecho añicos profundamente. Cosmopolis, de David Cronenberg, forzó a los críticos agotados de Twilight a reconsiderar a Pattinson cuando interpretó a un meloso billonario tan insensibilizado que se vuelve auto-destructivo para salvarse. Y ahora, él está preparado para una nueva versión de animosidad en The Rover de David Michod.

TheFilmStage
Después de probar sus habilidades actorales en el giro del año pasado, el pasado por alto dirigido-por-David Cronenberg drama de Cosmópolis, Robert Pattinson vuelve en 2013 con otro proyecto altamente-esperado...

FirstShowing
Si ver a Robert Pattinson salirse de su papel de vampiro que brilla en The Twilight Saga a dramas más serios como Water for Elephants y Cosmópolis no se asentó contigo, entonces tenemos una nueva película que podría funcionar.

MovieFone
La última apuesta de Robert Pattinson para desprenderse de su reputación de "Twilight" es el drama distópico "The Rover", y como puedes ver arriba, él está recibiendo una paliza de Guy Pearce para probar que ya no es nunca más Edward Cullen.

EmpireOnline
Naturalmente, situar la película en el desierto Australiano y el futuro significa comparaciones inevitables con la icónica franquicia de George Miller. "Pones coches en el desierto en Australia ya la gente va a pensar en Mad Max", dice Michod. "Y con todo el debido respeto a esa película - y quiero enfatizarlo - creo que The Rover va a ser mucho más espeluznantemente auténtica y amenazadora". Le creemos en ambas cosas.

JoBlo
"Pones coches en el desierto en Australia ya la gente va a pensar en Mad Max", dice Michod. "Y con todo el debido respeto a esa película - y quiero enfatizarlo - creo que The Rover va a ser mucho más espeluznantemente auténtica y amenazadora". Esa es una declaración atrevida, pero puedo verla.

Collider
Muchos prometen que The Rover va a ser "mucho más espeluznantemente auténtica y amenazadora" que esas películas. Esa es una declaración bastante fuerte, pero considerando lo genial que es Animal Kingdom, me inclino a tomarle la palabra en ello a Michod.


Via
Traducción LaSagaRobsten

07 enero 2013

Nueva Review de On The Road de LATimes

Review: 'On The Road' es dolorosamente romántica

'On The Road, la poética adaptación del director Walter Salles de la novela de Jack Kerouac, protagonizada por Sam Riley, Garret Hedlund y Kristen Stewart.
Hay tantas visiones de "On the Road," , el himno vívido del novelista Jack Kerouac al romance de la juventud libre y alcanzar la experiencia como lectores hay. Es un libro tan influenciador aún, tan personal, que cada generación que lo ha heredado ha sido exitosa desde que su publicación en 1957 y simplemente dicho, como lo hace uno de sus protagonistas, "Oh, si, oh si, esa es la manera en que funciona".

El director Walter Salles ha sido uno de los entusiastas desde que era un chico de 18 años que crecía en Brasil bajo una dictadura militar opresiva. Mejor conocido por transferir "The Motorcycle Diaries" del Che Guevara en una película, Salles ha hecho con amor una versión artesanal y poética, sensible, dolorosamente romántica del libro de Kerouac que captura la efervescencia de la existencia de sus personajes y la pureza de sus hambrientas rebeliones por la esencia de la vida.

La versión de Salles, finamente escrita por Jose Riversa, quien también escribió el guión de "Diaries", es más que un tributo a la gente que se han convertido en leyenda. Es una recreación de las aventuras del alter ego de Kerouac Sal Paradise, su mejor amigo e inspiración Dean Moriarty (basado en el legendario Neal Cassady, que continuó conduciendo el Magic Bus para Ken Kesey) y la mujer de Moriarty Marylou, que usa a jóvenes estrellas como Sam Riley, Garret Hedlund y Kristen Stewart para enseñar cómo permanece eternamente ese anhelo.

El atractivo del legado de Kerouac como avatar de la Generación Beat es tan fuerte que un gran número de otros actores prominentes, incluyendo a Kirsten Dunst, Amy Adams, Terrence Howard, Steve Buscemi y Viggo Mortensen, firmaron por lo que son esencialmente papeles secundarios, en parte porque el libro significa muchísimo para ellos.

Otro jugador principal en el éxito de "On The Road" es la cinematografía lírica, rica en vistas de la belleza casual de los paisajes abiertos grabados en todo tipo de tiempos, del director francés de fotografía Eric Gautier, otro veterano de "Motorcycle Diaries".

Mucho más que sólo grabar la escena, Gautier grabó la película entera de una manera suelta, fluida, casi improvisada, un estilo visual que hace eco, con buenas razones, del sentimiento de ir sobre la marcha de otra revolución que los Beats influenciaron, la New Wave Francesa.

Como un luchador en una dieta, "On The Road" ha sido recortada casi un cuarto de hora de la versión que se estrenó este año en Cannes. La nueva edición también abre en un lugar diferente, con el primer vistado de la película del inciador de sueños y activador de fantasias, el personaje modelado en el hombre Allen Ginsberg, llamado 'el ladrón Adonis de coches de Denver', con su cabeza llena de filosofía: Deam Moriarty.

El año es 1947, y Moriarty (Hedlund) es presentado moviendo coches alrededor de un parking la ciudad de Nueva York, con un impulso que revela el nivel de habilidades al volante que le ayudaron a robar 500 coches en su juventud. Él previamente habia pasado, nos han contado, una tercera parte de su juventud en las salas de billar, una tercera parte en la cárcel, y una tercera parte en la librería pública, acumulando obsesivamente conocimientos.

La manifestación física de la fuerza de la vida, que Moriarty probó irresistible a los tipos creativos en potencia que él conoce en Nueva York. Estos incluyen a Sal Paradise (Riley, la estrella de "Control"), un auto-descrito como "un joven escritor intentando prosperar", y Carlo Marx (Tom Sturridge), un aspirante a poeta y miembro más joven basado en Ginsberg.

Moriarty no ha ido sólo a Nueva York sino con Marylou, su esposa, una cría de 16 años, persuasivamente interpretada por Stewart (escogida por Salles después de su actuación en "Into The Wild") que se ha lanzado a sí misma al papel con excelentes resultados.

Si hay una actuación que rompe en "On The Road", sin embargo, es la de Hedlund. Previamente más conocido por protagonizar "Tron: Legacy", Hedlund aprista todas las notas correctas en el difícil papel de ser todas las cosas para todo el mundo.

Desde el momento que él aparece abriendo la puerta de su apartamento completamente desnudo, Hedlund proyecta la ún intensa intimidad de su presencia masculina que llevó a todo el mundo a estar en llamas. No era sólo el magnetismo sexual que transmitía, es la cualidad de la que Ginsberg se dio cuenta en Neal Cassady: "Su total generosidad de corazón era abrumadora".

Aún viviendo con su madre, Paradise el observador es aarastrado rapidamente por alguien con un don formidable para la acción, y los dos hombres jóvenes inmediatamente crean un vñinculo por las historias de sus irresponsables padres y una intoxicación común con la idea de la camaraderia en la carretera.

"Las únicas personas para mí son los locos", dice Paradise en uno de los pasajes del libro (y de la película) más celebrado. "Los únicos que están locos por vivir, locos por hablar, locos por ser salvados, deseosos de todo al mismo tiempo, los únicos que nunca bostezan o dicen algo corriente, pero queman, queman, queman como velas romanas a través de la noche".

Caracterizado por la naturaleza como el libro, "On The Road" permanece con Paradise mientras el hace ping-pong a través del pais, acumulando experiencias que graba minuciosamente en una serie de libretas. Algunas veces él mismo, otras veces está con Moriarty, que pronto divide su atención sexual entre Marylou, la nueva mujer de su vida Camille (Dunst) e incluso Carlo Marx.

Uno de los sellos distintivos de la perpectiva de Salles y Rivera es que incluso aunque estos personajes pueden ser descuidados en búsqueda de sus placeres, puede que incluso a través del sexo o las drogas, la película nunca pierde de vista lo jóvenes que todos son, y por implicación, lo inocentes que son. Cuánto tiempo pueden vivir en "el borde de la cordura y experimentar", antes de que se avecine el final de la carretera es la pregunta que todo el mundo quiere evitar pero, finalmente, nadie puede.

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MPAA rating: R, por contenido sexual fuerte, uso de drogas y el lenguaje.

Tiempo de duración: 2 horas, 5 minutos

Fuente | Via
Traducción LaSagaRobsten

31 diciembre 2012

Gran Critica de Cosmopolis de Larry Richman!

 
He aquí un extracto de la excelente critica de Cosmópolis de @Larry411

Cosmopolis es muy estilizada, una película visualmente compleja que exige un poco de humildad por parte del espectador. Con los brazos cruzados, "muéstrame" la actitud y es muy probable que puedas sintonizar dentro de los primeros 10 minutos. Sea generoso con su paciencia y será recompensado con la deliciosa interpretación del escritor / director creativo David Cronenberg de la novela de Don DeLillo tan premonitorio de los acontecimientos que retrata casi una década después de su publicación.

Robert Pattinson interpreta a Eric Packer, 28 años, un empresario ridículamente rico y moderno, un Andrew Carnegie que comercia con ideas en lugar de acero. Al igual que muchos gestores de fondos de cobertura actuales, los comerciantes del día, y los consumidores que constantemente compruebanel valor del dólar en sus celulares, sus ingresos proceden de la especulación - no muy diferente de apostar por un caballo que llegará por primera vez en Churchill Downs. La Obsesión actual de Packer es el Yuan chino, la unidad monetaria que se espera que domine los mercados mundiales en un futuro próximo (fue cambiado del yen japonés en el libro de DeLillo - alguna licencia creativa por parte de Cronenberg). Cosmopolis abre con Torval el guardaespaldas ( Kevin Durand) para marcar el comienzo yendo al otro lado de la ciudad (Nueva York, pero podría ser cualquier metrópoli) para obtener un corte de pelo. Con la mayoría de escenas basadas en los visitantes que entran en el vehículo, es un revés asumir la road movie clásica que tiene lugar en un período de 24 horas.

Pattinson, Gadon, y Durand son el triunvirato constante en la mayor parte de la película. Siempre al lado de Packer, Torval es a la vez protector y figura paterna para el niño rey afluyente. Su actuación casi robótica todavía entrañable (alabanza aquí, no desprecio) toma un poco de disciplina, dando lugar a lo que podría ser el más simpático de los conductores. Gadon también tiene la poco envidiable tarea de "embrutecimiento" para este papel como una mujer fría, sin emociones, un trofeo. Su talento y el brillo a través de la belleza, pero sólo lo suficiente para convencernos de la decisión de Packer para incluirla en su vida. Por último, un poco reacios pero a cuyo alrededor, el resto del sistema solar gira entorno a Packer, el rendimiento delicadamente discreto de Pattinson mejora en proporción inversa al estado de la personalidad de Eric a medida que evoluciona. Es un gusto adquirido. Esto significa, por definición, que el espectador tiene que seguir a lo largo para apreciar completamente lo que hace aquí. Muchos no llegan tan lejos, y eso es una lástima. Pocos actores de su generación serían capaces de asumir un papel tan matizado y hacerlo creíble. La selección de Pattinson, al asumir el reto de interpretar a un protagonista extrañamente indiferente, fue un golpe para Cronenberg y el rendimiento que ayuda a hacer Cosmopolis un logro creativo impresionante.


Más información en su página web aquí .
via ToR| Traducción y vía PattinsonWorld
via: Lasagarobsten

28 diciembre 2012

Cosmópolis: Destino polarizado ( Gran Artículo )

En “Cosmópolis”, David Cronenberg adapta con maestría la novela de Don DeLillo, esbozando un filme tan físico como hablado, tan nihilista como secretamente humano.

 
Entre otras cuestiones, 2012 será recordado cinematográficamente por contar entre sus “películas del año” con dos filmes con limusina: la aquí tardíamente estrenada Cosmópolis y la aún no estrenada Holy motors: como si el cine sólo pudiera recuperar su lucidez en crisis sólo en un espacio interno en constante (y lento) movimiento, a lo largo de una misma jornada y con un protagonista-viajante solitario empecinado en hallar su destino.

Con la diferencia de que si bien el filme de Leos Carax hace referencia al cine y sus “motores” de fantasía, Cosmópolis sólo lo hace de manera indirecta para disparar sus dardos, en mayor medida, sobre aquello que pasa “afuera”: el apocalíptico contexto mundial simbolizado en aquellas turbulencias callejeras neoyorquinas que el capo bursátil Eric Packer (Robert Pattinson, tal vez en el mejor papel de su hasta ahora vampírica carrera) observa desde su limusina a la vez que frecuenta amantes, se encuentra y desencuentra con su reciente esposa y asiste a una sesión de proctología.

Y habla: en el filme de Cronenberg se habla mucho, y de ahí que se lo haya acusado de ser demasiado literal con respecto a la novela homónima de Don DeLillo en que se inspira: en su primera mitad abundan las sentencias iluminadas y nihilistas sobre el estado de cosas presente, principalmente de boca de Packer y de su asistente teórica Vija Kinski (Samantha Morton), quienes consideran el afuera alborotado por la visita del presidente como un exterior residual, prescindible, decadente: “No es original”, dice Kinski mientras observa junto a su jefe a un manifestante anarquista.

En la novela de DeLillo, publicada en 2003, abundan esos latiguillos filosóficos, rasgo característico de un autor que siempre exploró los lazos entre política y tecnología, literatura y actualidad: “El pueblo será absorbido por los flujos de la información”, “Cuanto más visionaria sea la idea, más gente dejará tirada por el camino”, “La cultura del mercado es total”, “Toda esta gente sólo es una fantasía creada por el mercado”, “El dinero genera el tiempo” son algunas de las consignas de a ratos luminosas y de a ratos con demasiado aire a eslogan que se leen en el libro y que Cronenberg hace que salgan de la boca de sus personajes casi como globos de historieta, haciendo suyos los textos de DeLillo e introduciéndolos en un contexto poderosamente oscuro y seductor.


“Siempre le doy importancia a los diálogos, de diferente manera según el filme”, aclaró Cronenberg en una nota. Y agregó: “Incluso en películas tempranas mías como Shivers, el diálogo es bastante excéntrico (…) Es algo que disfruto. Para mí, el diálogo es cine”.

Tal declaración no habría que entenderla como una defensa del diálogo cómo mera transmisión de mensajes, en este caso adoctrinantes, sobre cómo Packer/Cronenberg considera que opera el capitalismo tardío y su poderío bursátil-informático: en Cosmópolisla conversación es también superficie, tanto como los tapizados de la limusina de Packer y esa extraña pantalla que éste manipula, reminiscente de las épocas “bizarras” de Cronenberg, de películas como Videodrome, Scanners o eXistenZ.

“Muchos directores amagaron con adaptar las novelas de DeLillo, pero después no pasó nada. Eso fue algo que me atrajo, saber que fui el primero en liberar los diálogos de Don por el mundo. Ese diálogo estilizado marcó la base de todo, incluido el aspecto visual de la película”, dice Cronenberg, comprobando ese vínculo decisivo entre los discursos de los personajes de la película y el cautivante mundo estético que habitan.
Corte final



Lo más curioso del asunto, en todo caso, es que Cosmópolis, el libro, fue una de las novelas más despreciadas por la crítica entre las que escribió DeLillo, responsable de obras decisivas de la literatura contemporánea estadounidense como Submundo, Ruido de fondoy Libra. No ocurre así con la película de Cronenberg, que ha sido muy bien recibida, considerada un guiño a sus inicios desde el pedestal de su reciente condición de director “clásico”.

La maestría del realizador se hace evidente más que nada en la manera en que resuelve en pantalla las dos dimensiones deCosmópolis, la novela: la posmoderna y la humanista. En un principio, lo que Cosmópolis sugiere, desde su desafiante personaje millonario, gélido e híper lúcido, es la realidad de un mundo predecible, reducido a números y cifras, a mera información: desde el interior de su limusina insonorizada, Packer está más allá de todo, incluso del tiempo. Es casi un “vampiro”, un ser errante.

Y esa es también su perdición, la que resuelve la última parte del filme, cuando el protagonista se acerca a la peluquería de infancia donde se cortará el pelo: Packer busca algo definitivo, algo radical que no puede hallarse en el sexo, las drogas, el dinero. Pattinson representa la tragedia (pos)moderna: su tabú es la muerte, lo único real es su mortalidad. Ese salto al vacío, ese vértigo interno tan opuesto al andar de la lenta limusina es lo que le termina de conferir a la película su dimensión más interesante y extrañamente humana, tensión que en la prosa quirúrgica y ballardiana de DeLillo pasaba desapercibida, amortiguada por una narración demasiado distante.

Mención aparte, claro, para las “películas con limusina”, que por otra parte no estaría mal señalar como un signo de época, cuando las barreras entre el afuera y el adentro, lo asbtracto y lo concreto, lo público y lo privado, parecen más distantes y a la vez más cercanas que nunca.

Fuente | RPCinema-Screen

Nuevo Review de On The Road de NYTimes

La búsqueda de emociones de los Beats toma la ruta escénica



Sam Riley, a la izquierda, y Garrett Hedlund en “On the Road,” la versión cinematográfica de Walter Salles de la novela de Jack Kerouac.


Primero las buenas noticias: América la Hermosa raramente se ha visto más lista para la exploración de lo que lo hace en "On the Road", un intento noble del director brasileño Walter Salles (“The Motorcycle Diaries,”“Central Station”) de capturar la luz literaria en una botella. Con cielos espaciosos alargando sin fin su apretura, las carreteras sin congestionar bordeadas por olas ambarinas de grano, y montañas moradas haciendo señas en la distancia, la película revive la frontera perenne del sueño y te invita a adentrate en lo desconocido con las leyendas de la Beat Generation.


"On The Road", de Walter Salles, completa una clase de trinidad de los clásicos Beat adaptados al cine, siguiendo a "Howl" y "Naked Lunch".

26 diciembre 2012

Fantástica Review de On The Road de Popmatters.com

'On The Road' quema, quema, quema.
Tenemos que encontrar por nosotros mismos algunos puntapiés

En la adaptaciónn del famoso y voluble libro de Jack Kerouac On The Road, Walter Salles ha conjurado una película que es fiera y serena, siempre mirando al horizonte mientras ahonda en la belleza del aquí y ahora. Esta no es una proeza pequeña. Salles hizo The Motorcycle Diaries, la única otra película genial de carretera de la memoria recente, pero añun así, hay muchas formas de que una película de Kerouac se hunda (mirad The Subterraneans), y esta las evita practicamente todas ellas. Quizás deja demasiado del lenguaje cinético del libro en el suelo; esta es una historia sobre las palabras tanto como lo es sobre el movimiento, la carretera. Pero como estos soñadores, quemados y frustrados trotamundos que regresan adelante y atrás a través de América en busca de lo que no sabes, la poesía ahumada de sus amplias vistas y el murmullo urbano del clamor proviene de un puntapié, de un verdadero puntapié.

El doble de Kerouac, Sal Paradise (Sam Riley, que encuentra una variación muy bonita de un artista condenado que él previamente inhabitó como Ian Curtis en Control), un autor en potencia viviendo en el apartamente de su madre en Queens a finales de 1940s. Él es el compañero y amigo de su efisivo, alternativo y afligido-y-en-pánico amigo poeta Carlo Marx (Tom Sturridge), un retrato nada encubierto de Allen Ginsberg. Y juntos, son seducidos por la presencia volcánica de Dean Moriarty (Garret Hedlund), un hombre como un cohete que llega desde Denver y es descrito por la narración estridente y amanerada de Sal (que suena como la prosa bop espontánea emocionada, pero que es en realidad una toma decente de la voz de Kerouac) que ha pasado "una tercera parte de su tiempo en una sala de billar, una tercera parte en la cáscel y una tercera parte en la libreria pública".

Dean - un título para su obsesión en la vida real, Neal Cassady - también está buscando salir de Nueva York y volver a San Francisco con una chica a remolque, Marylou (Kristen Stewart, saliendo de su zona de confort sólo ligeramente), y una mujer con la que casarse en el otro lado, Camille (Kirsten Dunst). Sal hace autostop hacia el oeste con su libreta, empezando el barullo de la película de cruzar el país viajando y observando noches ingiriendo Benzedrine.

El resguardado y tímido Sal (un canadiense que habla un francés aflautado con su hosca y prepotente madre, ocultándose poderosamente en su subconsciente) está totalmente preparado para aferrarse a un guerrero como Dean. A Sal no le importa que Dean conduzca como un murciélado salido del infierno, y en las escenas más largas en la carretera, Sam hace bastante de su mejor trabajo, creando pequeños poemas visuales saliendo del modelo de la lluvia en el parabrisas y la charla interior.

Aún así, Dean es una criatura extraña. El Dean del libro era un motor-desbocado conectado a la vida que nunca usaba una palabra cuando 15 lo harían. Hedlund le interpreta con una clave baja, con una voz profunda y un estilo más deliberativo, a veces pareciendo casi letárgico. Pero sigue siendo magnético, haciendo pedazos la carretera, encadenando los cigarrillos, y apareciendo desnudo en un montón de pisos con agua fría (durmiendo con cada mujer con la que se encuentra, incluso engatusando a un semi-protestante Carlo de 3 maneras). Él es un vagabundo hermoso que Sal no puede dejar de admitir que le ama, a través de un apretó y un abrazo y colegueo profundo que hay en los ojos de cada uno en más de una ocación. )No por nada vemos a Dean leyendo Swann's Way). Que él defraudaría a todo el mundo eventualmente es algo predestinado.

A parte de Dean, sólo la versión de William S. Burroughts de Kearouac, el viejo toro Lee (Viggo Mortensen, acercándose a las cadencias afeitadas y los aires de desolación aristocrática de Burrought) parecen ser capaces de separarse de la tormenta que se arremolina. En un pequeño interludio durante otra larga conducción, Sal, Dean y la cuadrilla de Bull aislados en Lousiana, donde sus pistolas empaquetadas son un sucedáneo del padre sentado en el porche en una silla, con huellas rojas de jeringuillas en su brazo. Al contrario que Carlo, Sal y Dean, Bull es el escritos que no habla sobre ello.

Su diferencia se hace clara en cómo la escritura dirige On The Road. Demasiados intentos de dramatizar o explicar la generación Beatnik americana, intentando fijarse en sus deseos artísticos. Como un subconjunto de las categorías nunca-expandidas del siglo 20 de los tipos contraculturales, los beatniks normalmente se retrataban como poetas y novelistas, pintores y músciso (al contrarío, dicen, de los punks i hippies, definidos por su moda y actitud). La película parece seguirlo a pies juntillas: toto dl mundo aquí (los hombres, al menos) quieren escribir, y les está matando que las palabras no vengan fácilmente. Pero lo que la película entiende es que mientras On The Road es una novela sobre intentar escribir una novela (o más correctamente, intentar encontrar un tema suficientemente bueno para una novela), también va sobre cómo la vida se mete en el camino.

La vida que Salles y el guionista Jose Rivera han capturado aquí es una narración al azar, de hombres jóvenes lanzándose a sí msimos relajadamente a los espacios americanos geniales. Sal deambula con un propósito, hambriento de experiencia con la que alimentar su novela en potencia. Él recoge algodón con trabajadores inmigrantes, conduce desesperado y con muchas dificultades en una tormenta de nieve, y vive la la mano-a-la-boca y de apartamente en apartamente de una manera en la que él no hubiese podido hoy en día. El pasa al lado de una cartelera para el desarrollo de una casa, prometiendo un tren suburbando anodino y regularizado en el futuro. dean y él se pierden a sí mismos tomando abiertamente píldoras de Benzedrine y brindando por las noches.

Aunque la película de Salles ignora demasiado de la verborrea de Kerouac y la verdadera velocidad maníaca de Dean, también reconoce la energía de la novela y su tragedía. Eventualmente el coche se quedará sin gasolina, y todo el mundo volverá por la noche, resplandeciendo con recuerdos pero también un poco tristes y muy solos.
Puntuación:
Traducción LaSagaRobsten

11 diciembre 2012

Cosmopolis - Gran artículo/Review de Sketchy Details

 
Stevee Taylor de Paradox Cinematic está llevando a cabo un blogathon muy fuerte. Los bloggers son invitados a hacer un post con "su opinión," para una película que probablemente no atraerá la atención de los principales premios de este año. Teniendo en cuenta los nombres dados hasta ahora por los grupos de críticos en su selección de los ganadores y la lista de los 10 primeros, es el momento de ampliar el debate a otras grandes películas del año.

Cosmópolis es una película que divide a la audiencia y me enamoré. David Cronenberg ha adaptado la extraña historia posmoderna de Don DeLillo, un hombre de negocios que viaja a través de Manhattan para cortarse el pelo en una versión multi-nivel de la realidad de la Odisea de Homero.

Si la cultura cinematográfica en realidad mira el valor de los elementos individuales de la película, en lugar de tirar una obra controversial total o mal aceptada, Cosmopolis estaría en la carrera por varias categorías.

Casi se puede llenar la categoría "Mejor actriz de reparto" con las mujeres en Cosmópolis. Juliette Binoche, Hampshire Emily, Samantha Morton y Patricia McKenzie compitiendo con el Eric Packer/ Robert Pattinson y hacer pedazos la pantalla.

Binoche es el sexo y las matemáticas, en eso resume un espectáculo indignante. Hampshire se las arregla para ser el personaje más realista en la película como una madre y director ejecutivo entró en la limusina de Packer , mientras trataba de hacer ejercicio en su día libre. Morton es monólogos largos y persistentes en las teorías sociológicas, que parece más fácil y más emocionante que los disturbios que estallaron a su alrededor. McKenzie es una mujer obsesionada con su deber como guardia de seguridad, dominando a Packer en el sexo cuando su turno llegó a su fin.

¿Y el mismo Robert Pattinson? Es distante y brillantemente calculado en un papel que le hace como un actor serio. Packer no es un personaje simpático. Tiene todo lo que necesita en el mundo y ni siquiera tiene 30 años, pero traiciona a su bella esposa y tira toda la economía mundial en el caos, ya que se aburre. Su imagen exterior se derrumba poco a poco, un hombre que bien podría estar muerto ahora. Esto no es un espectáculo llamativo, pero es una actuación perfectamente bien fundamentada que encarna el enfoque extraño para una historia simple.

Tenemos que agradecer a David Cronenberg (o la culparle, dependiendo de la reacción) por Cosmópolis. Adaptó el guión para postes de cercas muy fuertes (solidamente) episodio por episodio como la Odisea de Homero. Cada persona que encuentra en su limusina es otro luchador derribado por algún accidente trampa en el mercado de valores. Otros caen en la codicia como los hombres que Circe convirtió en cerdos. Otros son para el deseo y la lujuria como los marineros rompiendo contra las rocas de las Sirenas. Y algunos son asesinados por su propia falta de previsión, como los hombres atrapados por los Cíclopes. La única diferencia es el recuento de los cuerpos y el tono. Eric Packer no es el héroe valiente destinado a volver a casa con su esposa Elise Shifrin, no necesita ser salvado por nadie.

Tal vez la omisión más curiosa en la discusión de la temporada de premios es lo que se supone que trae Sarah Gadon para actriz de Oscar. Su interpretación de Elise, la única mujer que puede controlar a Packer, es increíble. La mayor parte del diálogo es súper estilizado y hace que parezca mucho más real que cualquier otro artista en la película.

Elise es una calculadora mujer, que lanza un hechizo sobre todos con los que lidia, mientras se niega a rebajarse a su nivel. Si hubiera querido doblegar a su voluntad, Packer nunca habría seguido adelante con su búsqueda de un corte de pelo. Estaría feliz y contenta con un hombre que obsesiona con cada centímetro de su cuerpo de la misma manera que está obsesionado con cada número del patrón de la moneda, el yuan.

Pero no es de eso de lo que se trata la historia. Sarah Gadon tiene que pasar por el disgusto en su relación con Eric Packer, porque Eric Packer debe fracasar por el bien del mundo. El retrato suave de una mujer traicionada, Gadon. es la razón por la cual el resto de la película se une. Sin su presencia y conducción, la única voz de la razón - comer algo, no traicionar a su esposa, ser feliz con lo que tienes, disfruta de los placeres simples de la vida - no habría una serie interminable de auto-indulgentes que mostrar en la pantalla. Con su brillantez, Packer se convierte en un héroe trágico, en lugar del monstruo de Identificación del capitalismo.

Cosmopolis es la clase de película polarizante que probablemente no puede ganar ningún premio importante. Sin embargo, reuniría el tipo de gente apasionada por cine. Si Extremely Loud & Incredibly Close y The Blind Side puede superar consenso y crítica mezclados para un número reducido de grandes nominaciones, ¿por qué no Cosmopolis?

FuenteVia Via y Traducción a español PattinsonWorld

10 diciembre 2012

Grandes Argumentos a favor de Cosmópolis

Los bloggers están alentando para hacer una posterior consideración por una película poco probable que coseche alguna atención de premios importantes este año. Teniendo en cuenta la similitud de los grupos críticos de la medida en su selección de los ganadores y las listas de Top 10, ahora es el momento de ampliar la discusión a otras grandes películas durante todo el año.
Cosmópolis es una película polarizante. David Cronenberg adaptó una trippy historia posmoderna de Don DeLillo de un ejecutivo de negocios que viajan a través de Manhattan para cortarse el pelo en una versión de la realidad maravillosamente alternativa de Odisea de Homero. Si la cultura cinematográfica en realidad mirara los elementos individuales de la película por méritos en lugar de tirar de controversia o mal recibido trabajo en conjunto, Cosmopolis estaría en la carrera por un número de categorías.

Casi se puede llenar la categoría de Mejor Actriz de Reparto con las mujeres deCosmopolis. Juliette Binoche, Hampshire Emily, Samantha Morton, Patricia McKenzie y enfrentarse cara a cara con Robert Pattinson como Eric Packer y romper la pantalla en pedazos. Binoche es el sexo y las matemáticas personificada en un espectáculo indignante. Hampshire se las arregla para ser el personaje más realista en la película como una madre y un ejecutivo que se detiene en la limusina de Packer al intentar hacer ejercicio en su día libre. Morton hace monólogos largos y persistentes acerca de las teorías sociológicas parecer fácil y más emocionante que un tumulto de última hora a su alrededor. McKenzie es una mujer obsesionada con su deber como guardia de seguridad, dominando a Packer después del sexo y su cambio ha llegado a su fin. 

Y qué decir de Robert Pattinson, él mismo? Él es brillante distante y calculador en un papel que debería haber sido su estelar como un actor serio. Packer no es un protagonista simpático. Él tiene todo en el mundo antes de cumplir los 30, engaña a su nueva y hermosa esposa y tira toda la economía mundial en el caos porque está aburrido. Su chapa se enfría lentamente se deshace en un hombre que bien podría estar muerto. Esto no es un espectáculo llamativo, pero es una actuación perfectamente conectada a tierra que encapsula el enfoque extraño para una historia simple.

Tenemos que dar las gracias a David Cronenberg (o la culpa, dependiendo de su reacción) por Cosmópolis. Cada persona que se encuentra en su limusina es otro guerrero derribado por una trampa de la caída del mercado de valores. Algunos caen a la codicia, otros caen al deseo y la lujuria como marineros rompiendo contra las rocas de las sirenas. Y algunos son talados por su propia falta de previsión, al igual que los hombres atrapados por los Cíclopes. La única diferencia es el número de muertos y el tono. Eric Packer no es el héroe valiente destinado a volver a casa y su esposa Elise Shifrin no necesita ser rescatada de nadie.
 
Tal vez la más extraña omisión en la discusión de la temporada de premios es el funcionamiento de Sarah Gadon como actriz principal. Elise, la única mujer que puede controlar Packer, es asombrosa. Ella da la mayor parte del diálogo sobre-estilizado y hace que suene mucho más realista que cualquier otro artista en la película. Su Elise es una mujer calculadora. Ella sería feliz para siempre con un hombre que se obsesionara con cada centímetro de su cuerpo de la manera que él se obsesionó con todos los números en el patrón de la moneda el Yuan. Con ella a su vez brillante, Packer se convierte en un héroe trágico en lugar de la Identificación del mounstgro del capitalismo.
Cosmopolis es la clase de película polarizante que probablemente no puede ganar ningún premio más importante. Es, sin embargo, el tipo de cine que normalmente se seguirá detrás con gran pasión. Si Extremely Loud & Close Increíblemente y The Blind Side pueden superar el consenso crítico mezclado para un número reducido de grandes nominaciones, ¿por qué no Cosmopolis?


Fuente: Thesketchydetails
Traducción - Adaptación: RPCinema-Screen
via: Twilightargentina

02 diciembre 2012

Grandes Reviews de Cosmopolis

De The Cult Den, Static Mass Emporium y Filmblerg.

De The Cult Den

'Cosmopolis' resulta ser una representación excepcional y sin fisuras de la situación actual. El personaje de Eric Packer sirve casi como un mártir de hoy en día. Su abrumadora sensación de aislamiento del mundo real o la creciente desilusión que viene con ser rico, parece implacable en su persecución a rechazar mortalmente cualquier forma de asociación con el mundano estilo de vida .

En un papel real de juego cambiante, Pattinson hace su trabajo más completo y seguro hasta la fecha. El anclaje de la película, con un carisma y aplomo meticuloso y atractivo hacen que finalmente los escépticos puedan descansar en cuanto a sus capacidades de actuación.

Cronenberg ciertamente no ha optado por el enfoque de "hack and slash 'aquí ni en su interpretación de la obra de DeLillo. Los segmentos casi trabalenguas y largos del diálogo literalmente arrancados de las páginas son audazmente fieles. Los no iniciados quizás se quedarán atónitos por tal jerga liosa e inteligente, a otros les resultara refrescante y cautivadora. Si bien su estilo de dirección sigue siendo íntimo y preciso, desde luego, no se asusta de las metáforas visuales tampoco. Un atractivo especial es la participación de Pattinson para hacer frente al antagonista Paul Giamatti / Benno Levin , enmarcado dentro de un exquisito y amplio ángulo haciendo hincapié en la división de clases entre los ricos y una clase obrera descontenta.

Abrumador en su deconstrucción de temas tan diversos, es sin duda muy inusual y talky (no encuentro traduccion) por la corriente principal. Para la mente más abierta entre nosotros, sin embargo, 'Cosmopolis' es una pieza fascinante del cine, saturado de resonancia social y el intelecto que se merecen sus complejidades que hay que descifrar.

De Static Mass Emporium

Una de Las mejores películas, los que tendemos a amar de verdad, inspira una mezcla de placer y admiración. Sentimos la emoción de la trama, mientras disfrutas de la actuación. Además somos a menudo capaces de relacionarnos con los valores fundamentales de la pieza, extrapolando, correctamente o no, los temas del cineasta y los objetivos. Su punto. En ocasiones, sin embargo, los créditos de una película se enrollan la pantalla y nos encontramos confundidos por algo que es absolutamente fascinante, pero al mismo tiempo desconcertante. Y así, es Cosmópolis.

Aceptar plenamente el estilo del material de origen, Cosmópolis es un completo distanciamiento y, a veces, extraño asunto sencillo. Si esto es en sus imágenes nítidas y su entrega al diálogo rebuscado y extraño, su estructura, su viñeta CGI deliberadamente irreal o sus significados ocultados, no vamos a ser empujados pero nos obliga a ir. Esto realmente me llamó la atención a lo largo de los dos visionados y, en mi opinión, fundamental para la creación del personaje de Eric Packer desde el principio.

Disfrazado detrás de sus gafas oscuras, y escupiendo esotérico seudo-filosoco intelectual, Robert Pattinson es magnético como el joven multimillonario (para mi sorpresa). A medida que pasa el día en el coche, se nos muestra un retrato de un hombre que se ha distanciado de la realidad. Él habita en un plano de existencia donde la gente no se comporta como los otros en la calle y, como tal, representa la desconexión muy probable entre el 1% y el mundo real. Normalmente empatizamos con un protagonista porque entendemos lo que siente, aquí Cronenberg quiere lo contrario, él está tratando de engendrar en nosotros lo que no siente Eric. No estamos necesariamente para entender lo que está hablando cuando se hace preguntas como: "¿Pero qué pasa con todas las limusinas que merodean la ciudad durante todo el día? ¿Donde pasan la noche? "

Hay sin duda un montón más que se puede decir sobre Cosmopolis (incluso en este pedazo de cosas mencionadas no he sido capaz de explorar más a fondo), y estoy seguro de que hay una miríada de otras lecturas, igualmente interesantes. Todo lo que sé es que, si bien no es de ninguna manera prefecta, es absolutamente fascinante y tengo ganas de leer el libro de DeLillo. Una vez hecho esto, puedo tener más información, sobre la película de Cronenberg.


De Filmblerg

La revuelta contra Packer se manifiesta en tres formas. La primera es una protesta violenta de incontables semi-anarquistas con un ídolo, la rata, que no es capaz de penetrar en su limusina. El segundo es el del arte, en una escena bizarra de humillación por un chef de repostería renegado. Se trata de un esfuerzo más memorable pero necesita desesperadamente el vándalo para preservar y reproducir su idea. Por último, está la amenaza de asesinato por parte de un individuo ( Paul Giamatti ), pero no es más que el último grito del psicópata solitario vengativo que solo quiere hacerse notar, que se recuerde su nombr -, pero nunca supimos su nombre en el primer lugar.

David Cronenberg no ha escrito un guión independiente desde Crash , y aquí con Cosmopolis , se retira la misma teología del hombre y de la máquina que se ha hecho tan singular en su vida. Pocos directores podrían reclamar tal trascendencia. En Crash, antes de la cumbre artística de Cronenberg, sus personajes son sostenidos por una energía sexual que puede ser aprovechada a través de la participación en accidentes de tráfico. Packer, sin embargo, es insensible a los extremos de la física o experiencia sexual. Él es incapaz de experimentar - como todo conocimiento es de segunda mano - su (nuestro) mundo está desprovisto de sentimientos nuevos o pensamientos originales.

Cosmopolis es revolucionaria, incluso si ello implica la inutilidad de la revolución. El capitalismo se conoce como un "fantasma", ya que no pueden ser amonestados con la reprimenda de sus benefactores. La frase "Un fantasma obsesiona a este mundo, el espectro del capitalismo" es, en sí misma, una proyección, pero sugiere algo menos efímero, puede ser digitalizada, movilizada y aburguesada - en realidad es un artificio del hombre para la eternidad. Aunque promocionada como una odisea de guerra, violencia y sexo, el terror de la película está en su inactividad, es indiferente, y de inercia inquebrantable. Sin duda, es la obra maestra del apocalíptico 2012.

No te olvides pre-ordenar Cosmopolis en DVD o Blu-Ray

Vía | Via, Traducción y Adaptación PattinsonWorld
via: Lasagarobsten

28 noviembre 2012

Nueva Crítica de Cosmópolis

Cosmópolis

Se ha descrito a la obra original de Don DeLillo como una novela “infilmable”, llena de diatribas filosóficas que difícilmente harían de una cinta algo accesible. Pero lo mismo se dijo de El almuerzo desnudo (Naked Luch, 1959), de Burroughs. Cronenberg supo tomar el material casi abstracto y transportarlo a la imagen en movimiento. El body horror eXistenZ (1999) es otra prueba de la pericia de este fascinante director por transmitir, y transmitir bien, un dificultoso guión. Con Cosmópolis sucede lo mismo: una lúgubre traducción del texto al arte visual, aunque conteniendo aun los diálogos casi impenetrables. Cronenberg la presenta de una forma bastante sutil y enigmática; todo esto aunado a la sorpresa de la cinta (y quizá del año): la actuación de la comidilla de los tabloides, Robert Pattinson.



La película sucede a lo largo de un solo día, mayormente al interior de una limusina blanca que atraviesa Manhattan para llevar a Eric Palmer (Pattinson), un millonario, a un corte de cabello al otro lado de la ciudad. Palmer y su vida parece ser una versión en microcosmo de la crisis económica que afectó a Estados Unidos hace tan sólo unos años: su problema es la decaída del yuan chino y se encuentra constantemente paranoico ante la situación. Pero eso no le impide darse el lujo de cruzar la ciudad para un corte de cabello (o haircut, que también tiene connotaciones de economía). A lo largo de su trayecto, entre protestas tipo Occupy Wall Street, se encuentra, dentro de su transporte, a varios personajes que ayudan a definir al personaje de Palmer en diferentes maneras: Michael (Philip Nozuka), su agente administrativo; Shiner (Jay Baruchel), su gurú en tecnología; su amante, interpretada por Juliette Binoche; su esposa Elise (Sarah Gordon), con quien habla de cosas triviales y tiene incómodos encuentros a lo largo del día; además de su propio guardaespaldas Torval (Kevin Durand) y la climática aparición de Paul Giamatti como un subordinado que fue despedido por la compañía de Palmer y ahora busca retaliación.

Palmer es la viva imagen del colapso emocional y social; no parece interesarse en la gente por ser muy ingenua, cree que lo sabe todo, pero como se lo habrán saber al final, su entendimiento de la condición humana es errónea. Deambula por las calles y locales de Nueva York sin propósito alguno. Aunque nos dice que se dirige a una estética (y eventualmente llega a ella), no parece tener prisa y se distrae con las visitas que suceden dentro de su limusina más las ya mencionadas divagaciones filosóficas. La manera de Pattinson de interpretar a Eric como un yuppie sin aprecio por los demás y su equivocada concepción de ellos, es de tal manera única que no parece ser el mismo que se hizo famoso en las cintas de vampiros que brillan como diamantes.



Lo surreal de esta odisea emocional es capturada por la pulcra fotografía de Peter Suschizky, que además de mostrarnos el confinado mundo de Eric (su amplia limusina) como un espacio infinito, encuadra a sus huéspedes desde una perspectiva que nos hace pensar que estamos en un sueño o en la misma psique de los personajes.

Cosmópolis carece de motivo y razón aparente, al igual que las intenciones de Palmer. Se nos bombardea con este diálogo de fuerte y profundo significado que tomará más de un vistazo para poder ser descifrado. La cinta es bizarra en contenido (véase la escena de la revisión de próstata dentro del auto), cargada con subyacente erotismo y violencia fortuita. El filme de Cronenberg parece una mezcla de varios temas y significados de tal homogeneidad que la hacen densa y pesada.

Al final son la destreza del director de Cuerpos invadidos (Videodrome, 1983) de manejar atractivamente el material original –por más ininteligible que sea– y el magnetismo de Pattinson los que hacen de la cinta algo hipnótico y atrayente.

Icónica Via RobertPattinson.it Via pattinsonworld
via: lasagarobsten

20 noviembre 2012

Nueva Gran Crítica de Cósmópolis

Gran Critica de Cosmópolis por HeyUGuys
Que digan lo que quieran acerca de la saga de Crepúsculo, pero no puedes echarle la culpa a los pies de Robert Pattinson que se acaba de ser un personaje icónico escrito para atraer a jóvenes niñas adolescentes . La opinión general parece ser que una vez que la serie ha terminado, Pattinson está casi hecho. Su trabajo en Cosmopolis prueba que él es en realidad el verdadero negocio, Pattinson está en cada escena y realiza la película con la facilidad al tener que hacer frente a un diálogo intenso en escenas que parecen favorecer una toma muy larga. Su interpretación del personaje es impecable, un mundo de dolor siempre en sus ojos a fuego lento bajo la superficie de su exterior controlado y bien cuidado. Debido a que la película en su mayoría tienen lugar en una Cosmopolis limusina, a veces se siente menos como una película y más como una producción teatral. Cuando usted tiene actores de la talla de Juliet Binoche, Paul Giamatti y Samantha Morton apareciendo en los momentos clave para decir el diálogo extraño y maravilloso de Don DeLillo, gran parte de ella es sólo un placer para la vista.
Cosmopolis es quizás la película más anti-comercial lanzada este año, pero de alguna manera el protagonista es el favorito. También es una de las experiencias más gratificantes de este año, si usted tiene la oreja y la paciencia para ello, es una película oportuna acerca de la fragilidad de nuestro mundo y las personas que lo controlan. 
Leed la critica completa AQUI
Via ToR - Via, Traducción y adaptación PattinsonWorld

12 octubre 2012

Distintos Reviews de OTR de Jack Kerouac en su estreno en UK



Telegraph.co.uk por: Tim Robey



Laberíntico, episódico, sin rumbo, vago. Usted puede lanzar todas estas palabras en On the Road de Walter Salles- muchos lo hicieron cuando se estrenó en Cannes, en una versión más larga que el corte ahora en libertad. Ellos puede ser suene como crítica, pero ello son el punto. La película no puede dejar de divagar si quiere honrar el espíritu general del cuaderno de viaje de Jack Kerouac Beatnik de 1957, pero no es tímido sopesar sus logros, tampoco. Es como si fuera una película hermosa y texturizada de su libro, en parte, una película biográfica oculta sobre por qué lo escribió.

La primera línea no es lo que Sal (Sam Riley) dice en la página - "Conocí a Dean no mucho después de que mi esposa y yo nos separamos" - pero lo que Kerouac escribió en un borrador anterior: "Conocí a Dean poco después de que mi padre murió. "Es un cambio significativo, y la clave para lo que Salles y

José Rivera su guionista en "Motorcycle Diaries" están tratando de hacer. Estamos viendo escenas de un libro que no se ha escrito todavía.

El final, con Sal sentado frente a su máquina de escribir para recapitular todo acerca su vida con Dean (Garrett Hedlund) - las juergas, el conducir de noche, los períodos separados - es perfecto, y es capaz de desatar una oleada de emoción hacia estos personajes que apenas es posible pensar en el camino. Algunas películas sólo se funden justo al final, y los últimos momentos aquí son tan deletreado vinculantemente triste que yo estaba instantáneamente dispuesto a verlo de nuevo.

El reparto es tremendo: Kristen Stewart la inquieta niña-novia, Viggo Mortensen sustituto de Burroughs y Kirsten Dunst atrapada en Camille, hacen impresiones vívidas, como lo hace "Tom Sturridge" divertido, solitario Carlos (la figura Ginsberg).

Por delante, Hedlund es una revelación valiente, desesperada y magnética. La necesidad constante de Dean como el sexo se entiende como un signo de daño, que forma parte de la misma compulsión que le envía a toda América, rebotando entre las esposas.

Si Riley es menos imponente, su suavidad relativa tiene sentido extraño, porque Sal siempre es esclavo de su amigo - sólo la mitad de una persona, sin forma hasta que decide escribir.

En colaboración con el maravilloso cineasta francés Eric Gautier (Into the Wild), Salles convoca una América donde penumbra pasión por viajar es un malestar, una adicción, y una especie de locura. Es un vórtice tentador para desaparecer, para estas jóvenes personas desarraigadas aburridas por las opciones convencionales de la vida. La mitología de Kerouac puede ser una tarea si usted no lo entiende, por supuesto, y A menudo yo he pensado más o menos inmunes. Este tratamiento atractivo y honesto me probo que estoy equivocado.


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La icónica adaptación de la novela de 1957 de Jack Kerouac, On The Road - un retrato conmovedor de jóvenes alienados en la post-guerra de Estados Unidos, sin duda, no es una tarea fácil para cualquier cineasta - y parece que Walter Salles (The Motorcycle Diaries) claramente le encantan los desafíos.

On The Road sigue al joven escritor Sal Paradise (Sam Riley) quien tras la muerte de su padre, se embarca en un viaje por carretera con el magnético, de espíritu libre la encarnación del movimiento beat, Dean Moriarty (Garrett Hedlund).

Para muchos lectores, de Kerouac On The Road fue un retrato de una generación perdida - un joven alienado en busca de un sentido de propósito. Capturó una generación que quería explorar el mundo, vivir al máximo y busca de mayor significado en la vida. Se trata de cuestiones aún pertinentes para los jóvenes de cualquier sociedad, probados por el legado entrañable que On The Road ha dejado. Afortunadamente, la adaptación de Walter Salles capta perfectamente la esencia y el corazón de la novela de Keouac - demostrando ser una interpretación increíblemente elaborada de un relato atemporal.

La película de Salles captura el suelto, espíritu libre, naturaleza del movimiento Beat, prestando al mismo tiempo sorprendente detalles de los ajustes de la época. Esto se canaliza a través de tomas sorprendentes de la carretera interminable, extensas llanuras y partes nebulosas, alienadas de drogas y clubes de jazz donde los clientes literalmente viviendo a través de la música. Estas secuencias particularmente esta última, golpear paralelismos inmediatos con el ritmo clásico seminal de John Cassavetes, Shadows. Como las vidas de Sam y Dean (inician) - Salles dirige On The Road, con una sensación de libertad sin rumbo y la belleza, como sintiendose que no puede ser confinado. Mientras que el algunas veces sin sentido, menguante sentir de On The Road puede hacer algunos espectadores sentirse distante - eso sirve como una perfecta representación de estos temas integrales de la novela de Kerouac.

Como visualmente sorprendente como tal vez, el film de Salles logrado principalmente como un cuento de agitación de desarrollo del carácter. Como los personajes - en particular, Dean, se embarcan en este viaje - que poco a poco descubren que sus acciones tienen consecuencias. Dean en el continuo cumplimiento de sus propios deseos egocéntricos aún más lo aliena, llevándolo aparte de los que ama. Garrett Hedlund captura este magníficamente - su actuación sólo puede ser descrito como una revelación, capturando el encanto magnético de Dean. Hedlund nos permite ver por qué Sam y los demás se sienten atraídos por Dean, él es la encarnación infructuosa de la juventud y el movimiento Beat. Su transformación de un profeta casi como la figura en las profundidades de la alienación resulta ser completamente desgarradora - a pesar de que ha hecho daño a los demás, uno no puede evitar todavía sentir compasión por este personaje - sin duda un testimonio de la escritura de Kerouac y las habilidad Hedlund como actor.

La dinámica entre Sal y Dean ha demostrado ser igual de fascinante, sobre todo a través de la fascinación inicial Sal con Dean lentamente gira en un sentido de desapego y compasión. Sam Riley, un actor que ha dejado de brillar realmente después de Control de 2007, toma un tiempo para sentirse cómodo en el papel, pero finalmente golpea su zancada. Lo mismo se puede decir de Kristen Stewart, que debe ser elogiada por su interpretación de Marylou Dean novia de encendido y apagado, un papel verdaderamente valiente. Aunque de vez en cuando vuelve a sus miradas seductoras tradicionales y mordidas de labios, esta podría decirse que funciona bien aquí, en el personaje de espíritu libre.

Hay una mezcla ecléctica de turnos de apoyo como la sensacional Kirsten Dunst, como otra de las llamas de Dean, Camille. Los canales de Dunst del dolor y daño que la falta de compromiso de Dean tiene sobre ella y sus hijos recién nacidos - dejando un impacto duradero en el espectador. También hay turnos robando en escenas de Viggo Mortensen y Amy Adams, así como Terence Howard y Steve Buscemi (y si quieres ver alguna acción de Hedlund /Buscemi - estarás de suerte * escalofríos * ...)

On The Road es un magnífico intento de capturar la novela de Kerouac fuente desafiante. Salles logra transmitir la verdadera esencia y el espíritu del Movimiento Beat, ubicado en un paraje de agitación de la transformación del personaje. Garrett Hedlund es verdaderamente increíble en el papel de Dean, demostrando ser una de las mejores actuaciones del año.

CALIFICACIÓN: 4/5


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K-Stew está en su mejor momento como la amante de ambos Sal y Dean

Kristen Stewart, por su parte, toma una decisión valiente en interpretar la excitable Marylou que se involucra con ambos Sal y Dean durante su viaje. Compartiendo varias escenas eróticas con los dos actores principales la estrella de 'Crepúsculo' corre el riesgo de alienar a sus fans aquí, pero la aventura atrevida vale la pena. Ella rompió con su imagen estereotipada malhumorada (y muchas veces arroja su ropa también!) Para dar una de las mejores actuaciones en 'On The Road'. A pesar de que un discurso sincero sobre las aspiraciones está Marylou hace ver el retorno del no deseado morder de labios.

veredicto final

Mientras que algunos encontrarán su falta de verdadera historia de más de dos horas de un taladro de trituración, los que se quedan paciente podrían tomar mucho placer en 'On The Road'. Desde el aspecto elegante de la época a las mejores actuaciones personales de Stewart y Hedlund resulta un libro infilmable en una película muy interesante.

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La película comienza con Paradise, un aspirante a escritor joven, se reúne con Moriarty, el que le abre la puerta completamente desnudo - toda una declaración, de vuelta en su día. Detrás de él, en la cama, desnuda también, esta su esposa adolescente, Marylou (Kristen Stewart, muy buena en un papel que le obliga a interpretar la Mayormente Shagger feliz).

Gracias a LaSagaRobsten

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